Elisa – Heart

Mejores tracks: Someone to love, Forgiveness, Vortexes, Coincidences

La globalización y el dominio de internet en nuestras interacciones, dentro de toda su controversia, nos ha brindado una gran herramienta con la cual podemos conocer artistas que, aunque comercialmente no sean explotados en nuestra región, vale la pena detenerse a escucharlos y disfrutarlos, ya que en muchos casos nos dan un respiro del tan predecible mainstream.

Éste es el caso de Elisa Toffoli, mejor conocida como Elisa, quien a finales del 2009 y después de cuatro años de ausencia, regresa al mundo de la música con su álbum Heart. Para los que no la conocen, ella es un exitosa artista italiana que compone principalmente en inglés y que entre sus influencias se encuentra Björk, Tori Amos, Aretha Franklin, Ella Fitzgerald y Jim Morrison.

Elisa es poseedora de una hermosa voz que es tanto dulce como potente, algo así como si la voz de Laura Pausini, la de Andrea Corr y la de Rhianna se combinaran, dando como resultado una voz que desde la primera escucha capta nuestra atención.

En este disco nos ofrece un mundo de matices, principalmente rock/pop, pero demostrando que sus influencias son bastas; a veces podremos escuchar matices de trip hop y hasta me atrevería a decir que un poco de NU metal.

En canciones como “Vortexes”, que abre el disco, y “Someone to Love”, Elisa deja claro que no tiene ningún paradigma a la hora de componer. Se trata de canciones con una rica instrumentación y hasta uso de secuencias, que enseguida nos atrapan.

En “Vortexes”, por ejemplo, el arreglo de cuerdas que aparece en el coro crea una atmósfera acogedora para la melancólica melodía, llevándonos a un clímax emocional en cada coro. Y en “Someone to Love” la melodía y la rítmica principal de la guitarra, que empiezan solas, son un gancho que llamará de inmediato nuestra atención, para en el coro liberarse y dejarnos envolver con la intención que la hermosa de voz Elisa deja en la melodía.

Con “Coincidences”, “Lisert” y “Your Manifesto”, Elisa nos ofrece su matiz más rockero, donde pareciera que grupos como Evanescense o Lacuna Coil hubieran encontrado la manera de hacerse pop, sin perder originalidad. Con esto contrastan sus canciones más pop, “All I Need” y “Poems by God”, pero  llenas de contrastes, y que de la mano con la voz de Elisa son igualmente inesperadas e interesantes.

Tal vez de una naturaleza distinta a la mayoría de las canciones del disco, con un arreglo de cuerdas y piano, y a dueto con la voz de Anthony Hegarty (Anthony and the Johnsons) nos llega la única balada del disco: “Forgiveness”. Con un desarrollo melódico bellísimo, las dos voces se complementan perfectamente, llevándonos a un momento de reflexión y melancolía que, sumado a un delicado arreglo orquestal, llevará a los más sensibles a las lágrimas en una canción que nos invita a perdonar.

Heart es un disco muy bello, es como observar una pintura impresionista en la que descubrimos un mar de sensaciones  en cada pincelada de color hecha por el artista. De la misma manera, cada nota de la voz de Elisa nos llevará a distintos estados emocionales mientras disfrutamos cada canción.

Si buscas un disco musicalmente bello que escuchar, pero estas cansado del predecible mainstream y tampoco te gusta la música demasiado experimental, Heart es la elección que te brindará un perfecto matiz, sin dejar de ser pop.

Turambar

Lanzamiento 8 de Febrero 2010: Sade – Soldier of Love

01 The Moon And The Sky
02 Soldier Of Love
03 Morning Bird
04 Baby Father
05 Long Hard Road
06 Be That Easy
07 Bring Me Home
08 In Another Time
09 Skin
10 The Safest Place

Después de diez años de ausencia, con más de 25 años de historia y más de 50 millones de ventas, regresa Sade, una de las voces más características y únicas de la industria de la música. Sade Adu y su grupo, responsables de éxitos como “Smooth Operator”, “Sweetest Taboo”, entre otros, regresan este ocho de febrero con su nuevo álbum titulado Soldier of Love.

El álbum, que comenzó a grabarse en el 2008 terminándose a mediados de 2009, es un disco sobre el cual la cantante declaró en su sitio web que no quiere repetirse: “Quiero que nuestra música se convierta en un desafío interesante para todos nosotros, en un largo camino para recorrer juntos”.

Aunque no se ha dicho mucho del sonido que ofrece, declaraciones de su disquera para la revista Billboard han dejado claro que con este disco Sade planea darnos algo totalmente inesperado. Ejemplo de esto es el primer sencillo del cual toma su nombre el disco Soldier of Love, que aunque cuenta con la usual melancolía de la voz de Sade y una lírica impecable, suena un poco más agresivo de lo que nos tiene acostumbrados.

Se trata de un disco que ha causado mucha expectativa ya que, después de diez años de ausencia de una artista tan aclamada como Sade, es difícil saber que esperar en una industria que es eternamente cambiante. Pero para artistas con ese talento, que han logrado definir un sonido propio y que con cada entrega nos han dado canciones que quedan grabadas en la historia, sólo queda esperar una evolución que llenará de éxitos a la industria.

Turambar

Lanzamiento – The Magnetic Fields – Realism

TrackList

1. You Must Be Out of Your Mind
2. Interlude
3. We Are Having A Hootenanny
4. I Don’t Know What To Say
5. The Dolls’ Tea Party
6. Everything Is One Big Christmas Tree
7. Walk a Lonely Road
8. Always Already Gone
9. Seduced and Abandoned
10. Better Things
11. Painted Flower
12. The Dada Polka
13. From a Sinking Boat

The Magnetic Fields, banda neoyorquina liderada por Stephin Merrit, lanzó el 26 de enero su noveno álbum llamado Realism, inspirado en el rock orquestral y psicodélico de la época de finales de los 60’s y principios de los 70’s, y es la última parte de la trilogía carente de sintetizadores conformada por i y Distortion.

De acuerdo con la revista Rolling Stone, este material es uno de los mejores en la carrera de Merrit, quien después de 69 Love Songs fuera catalogado como uno de los mejores autores de su generación.

Realism es acústico, libre de instrumentos electrónicos en su totalidad y va acompañado de percusiones inusuales, como golpeteo de tablas o sonidos de hojas de árboles. También se agregaron colaboraciones de acordeón, tuba y violines a la mezcla de ukelele, teclado, chelo y arpa característica de la banda.

El vocalista y compositor Stephin Merrit declaró al periódico londinense The Guardian que el álbum explora el realismo respecto a la forma de grabar y producir música sin alejarse de la profundidad particular de sus letras, además de que representa la contraparte del sonido y concepto manejado en Distortion.

Los formatos en que Realism se encuentra disponible son CD, LP y MP3. En la tienda online de la disquera, Nunesuch records, la edición limitada incluye una litografía autografiada por Merrit.

The CherryChaos

Chingon – Mexican Spaghetti Western

Los mejores tracks: Mexican Sausage, Fideo del Oeste, Malagueña Salerosa

Imaginemos estar dentro de una película de Robert Rodríguez y entrar a una cantina, clásica de estas películas, que está en algún pueblo perdido en quién sabe dónde, pedir una cerveza y escuchar a esa banda que está ahí tocando.

La música de Chingón es lo que escuchamos dentro de aquella cantina; si hemos visto alguna película de Rodríguez, sabemos un poco a lo que suena, ya que él es uno de los tres guitarristas, más algunos músicos como los hermanos Rick y Marck del Castillo y el vocalista Alex Ruiz. Esta banda tiene su base de operaciones en Austin, Texas, pero suena a una mezcla de sonidos de diferentes lugares.

Su primer y único disco hasta ahora, llamado Mexican Spaghetti Western (2004) está plagado de este sonido que sería el resultado perfecto de poner en un molcajete al rock, el mariachi, algo de flamenco y otros ingredientes secretos (entiéndase esto por más géneros). El disco se puede dividir en dos: los temas instrumentales y los temas con voz, cuyas letras cuentan historias de diferentes tipo, pero sobresaliendo desde luego, las de pistoleros y músicos.

El tema más conocido de este álbum es sin duda el cover que realizan del clásico tema Malagueña Salerosa el cual se encuentra en una versión bastante rock- trio-marichi y logra la perfecta fusión de la guitarra eléctrica de Rodríguez con las guitarras acústicas de los hermanos Del Castillo, más una excelente interpretación vocal de Alex Ruiz. Uno de los factores que ayudaron a la popularidad de este tema fue su aparición en la escena final de Kill Bill vol. 2, un tema que no puede pasar desapercibido ante los oídos de nadie.

El segundo cover que encontramos dentro del disco es otro clásico de la música mexicana, Cielito lindo, el cual también es bastante más rock de lo que estamos acostumbrados; en lo personal este no me gusto tanto como el anterior y queda en un término medio, pues no es de lo mejor que encontramos dentro del Mexican Spaghetti Western.

Por otro lado, tenemos la ciento por ciento instrumental Cuka Rocka, la cual viene del clásico La Cucaracha, y que comienza con una guitarra acústica a velocidad media que va incrementando el ritmo, para después encontrar un excelente trabajo de edición y producción al mezclar perfectamente la versión de estudio con una versión de esta misma canción, pero grabada en vivo y en la cual disfrutamos de un magistral juego entre las tres guitarras de la banda.

Estas guitarras construyen solos desbaratantemente largos bajo la base de la cucaracha; todo el tiempo los solos de guitarra acústica son aplastantemente hipnóticos y magníficos y al combinarse con los de una guitarra distorsionad, logran el perfecto equilibrio. Esta canción sólo nos hace ver la calidad de los músicos, así como de los ingenieros, productores y toda la gente que está detrás del proyecto.

En el lugar de las canciones con voz encontramos Alacrán y Pistolero, escrita y cantada por otro clásico de la frontera, Tito Larriva (Tito y Tarántula), quien nos narra la historia del encuentro fatal de sus dos protagonistas, el alacrán y el pistolero, con un fondo que evoluciona de la tranquila guitarra acústica a la explosión total en un solo de eléctrica, para después regresar nuevamente a la acústica y terminar tranquilamente.

Otra es El rey de los chingones, que nos cuenta la historia de un hombre nacido al sur de Texas y de todos sus logros, al más puro estilo del corrido. También dentro de las ‘cantadas’ se encuentra Bajo Sexto, la única pieza cantada en su totalidad en inglés y que narra la historia de un virtuoso de este instrumento, que nunca toca por dinero; esta pieza es un poco más rápida que las anteriores, pero guardando esa mezcla perfecta estilos.

También hay otro par de piezas cantadas, pero por mujeres. Una de ellas es Severina, en la cual participa Patricia Vonne, otro miembro en activo de la música que se realiza en la frontera y hermana de Rodriguez. La otra canción cantada por una mujer es Siente mi amor la cual pueden haber escuchado de la película Once upon a time in Mexico, y es interpretada por Salma Hayek; esta última canción, a mi punto de vista, es la más ‘baladosa’ y romántica del disco.

Para el final de esta reseña he guardado las que para mí son las dos mejores canciones de este disco (la mejor en realidad es la Malagueña Salerosa, pero por ser ésta un cover, la consideré aparte); cabe destacar que estas dos piezas son instrumentales y cuentan con una interpretación excelente por parte de los músicos.

La primera es Mexican Sausage, la cual en sus tres minutos seis segundos de duración nos lleva directamente dentro de una de estas películas de Rodríguez; ésta es lenta y psicodélica, por llamarle de alguna forma a las pisadas de unas botas que se escuchan por el pasillo y que marcan la entrada del bajo y las trompetas que hacen de las suyas de una manera hipnótica, y que sin duda son lo más destacado en esta canción.

La otra gran pieza de este disco es Fideo del Oeste. Ésta es instrumental, pero cuenta con varias participaciones de la voz de la banda Alex Ruiz, comenzando con el silbido que abre el tema. Lo genial de esta canción es la combinación de elementos guitarras, campanas, órganos y demás, que crean el escenario perfecto para el desarrollo de la pieza, que está llena de subes y bajas, cosa que le da el toque perfecto.

Aquí también hay un solo para cada una de las tres guitarras de la banda, que se mueven al ritmo de la batería y el bajo. Cabe mencionar que hay una versión en vivo de este tema que es increíble y que, en lo personal, creo que es superior a la versión del disco lo cual es mil puntos a favor de la banda, ya que en el disco se puede hacer cualquier cosa, pero en vivo se ve si la banda toca de verdad o sólo hacen como que tocan.

Rich.